Debe decir algo sobre el estado de ansiedad del mundo del cine que dos de las entradas más populares del Festival de Cine de Cannes de este año se inspiren en la antigua Roma. En “Furiosa: A Mad Max Saga” de George Miller, Chris Hemsworth recorre un páramo como un auriga de heavy metal, mientras que en “Megalopolis” de Francis Ford Coppola, Adam Driver interpreta a un tipo llamado César. Que cada película ofrezca una visión de una cultura en declive parece demasiado obvio para este festival, donde los asistentes celebran el arte en medio de charlas nerviosas sobre el estado de la industria.
El festival de este año se inauguró el martes bajo un cielo gris, como si la naturaleza misma reflejara toda la tristeza y el pesimismo. Sin embargo, si bien la película de la noche inaugural, la comedia francesa sin gracia “El segundo acto”, fue un fracaso, la ceremonia de una hora que la precedió fue inesperadamente conmovedora. El enfoque del espectáculo en las mujeres esa noche fue instructivo y sugirió que Cannes, un festival que durante mucho tiempo ha promovido el culto al autor masculino, está tratando de hacer un mejor trabajo para corregir un desequilibrio histórico de género. Eso sí, el número de cineastas que tienen la oportunidad de pavonearse en la alfombra roja sigue siendo bajo: sólo hay cuatro en la competición principal.
Sin embargo, las cosas parecen mejor aquí y al menos el festival está dispuesto a mostrar su apoyo a las cineastas. Durante la ceremonia, que fue conducida por la actriz francesa Camille Cottin (“Call My Agent”), una emotiva Juliette Binoche entregó a Meryl Streep una Palma de Oro honorífica, y el festival se volvió loco con Greta Gerwig. Preside el jurado de la competición de este año, que incluye a otras dos cineastas: la guionista turca Ebru Ceylan y la directora libanesa Nadine Labaki. Cuando llegó el momento de la aparición de Gerwig, el festival mostró lo más destacado de su trabajo y, en letras gigantes proyectadas en una pantalla aún más gigante, anunció que había “conquistado el mundo en tres películas”.
Fue cursi, pero, lector, se me saltaron las lágrimas. Entre otras cosas, el amor por Streep y Gerwig fue un descanso del ruido de malas noticias sobre el negocio cinematográfico estadounidense. De cara a 2023, Variety había predicho un año “extremadamente accidentado” para Hollywood; 12 meses después, cambió el diagnóstico a «incierto» y un titular convenientemente conciso explicó por qué. «Huelgas, bombas de taquilla y un 'enorme vacío de liderazgo': Hollywood dice adiós al peor año de una generación». Incluso Jerry Seinfeld, en una entrevista con GQ, dijo que “el negocio del cine se acabó”. Ya había reservado mi hotel y mi vuelo a Cannes, así que fui de todos modos.
Esto se debe a que, si bien el negocio del entretenimiento estadounidense se encuentra en medio de otra de sus crisis recurrentes, esto no ha impedido que artistas de todo el mundo hagan películas. El festival, así como varios otros programas fuera de la selección oficial, presentan este año más de 100 películas nuevas de célebres directores veteranos y no probados, algunos de los cuales pronto nos deslumbrarán. En otras salas del Palacio y sus alrededores (el enorme centro donde paso la mayor parte del tiempo sentado en la oscuridad) se estima que 14.000 representantes de la industria, incluidos compradores y vendedores, tienen unas 4.000 películas y proyectos terminados sobre la mesa en lo que es el el mayor mercado cinematográfico internacional del mundo.
Cada año, sin importar la proporción de películas buenas y malas que termine viendo en Cannes, salgo del festival emocionado. Aún es temprano, pero ya he visto algunas películas muy buenas, incluidas dos en las que estaré pensando durante mucho tiempo. El primero, “Bird”, lo último de la directora británica Andrea Arnold (“American Honey”), es una historia sobre la mayoría de edad bellamente filmada y delicadamente conmovedora sobre una niña de 12 años, Bailey (Nykiya Adams), que toma un desvío inesperado hacia el realismo mágico. Un exuberante Barry Keoghan, cubierto de tatuajes, interpreta a su descuidado aunque amoroso padre, mientras que el gran actor alemán Franz Rogowski interpreta al personaje principal. Aparece con falda y, escena tras escena, te rompe el corazón.
Al igual que en “Bird”, la protagonista femenina de “On Becoming a Guinea Fowl” de Rungano Nyoni tiene una conexión casi mística con el mundo natural que sugiere que las mujeres, como todas las criaturas de estas películas, existen necesariamente en un reino aparte de los hombres. y su violencia. “Bird” presenta una verdadera colección de animales que incluye pájaros pero también caballos, perros, un sapo y lo que juro que era un zorro sonriente. En “Guinea Fowl”, el animal del título se refiere a un sombrío incidente infantil que Shula (una estupenda Susan Chardy) vuelve a visitar durante un viaje a la casa de su familia en Zambia. Ese incidente emerge lentamente de las sombras durante un elaborado funeral para un tío, un encuadre que Nyoni utiliza para explorar las devastaciones del patriarcado mientras une sutil e ingeniosamente lo personal con lo político.
Hay algo maravilloso en estar entre una multitud de entusiastas amantes del cine (el aplauso tanto para “Bird” como para “Fowl” fue justamente entusiasta) que están todos bailando en la misma onda durante los 12 días del festival, compartiendo consejos y charlando sobre lo que hacen. He amado o odiado. En su entrevista, Seinfeld dijo: «El cine no ocupa el pináculo en la jerarquía social y cultural que ocupó durante la mayor parte de nuestras vidas». Supongo que nunca llegó a Cannes.
Esto no significa descartar los profundos cambios que han afectado a la industria, en absoluto. Es difícil ahí fuera y nadie sabe nada (¡todavía!) sobre qué funcionará o por qué. La única certeza es que es difícil producir, distribuir y exhibir películas, tal vez especialmente ahora que la gente puede simplemente sacar sus teléfonos y ver algo tan delicioso como alimentar con biberón a crías de elefante. Sin embargo, la verdad es que el cine no ha ocupado el pináculo que mencionó Seinfeld desde hace mucho tiempo. A menudo se estima que a mediados de la década de 1940, unos 90 millones de estadounidenses iban al cine cada semana; en 1970, ese número se había reducido a 20 millones.
La década de 1970 se recuerda con razón como una década extraordinaria en el cine estadounidense, una época de enorme éxito artístico y audacia empresarial. Tres de los cineastas más célebres de esa época están en la agenda de Cannes este año. Coppola está en la competencia principal con su audaz “Megalópolis”, su primera película en una docena de años. Su viejo amigo y colaborador George Lucas recibirá una Palma de Oro honorífica el 25 de mayo. Y su amigo Steven Spielberg también está aquí, en cierto modo: se proyecta una copia restaurada de su thriller criminal de 1974, «The Sugarland Express». en una sección llamada Cannes Classics.
Que los tres cineastas estén representados en Cannes puede ser una coincidencia, pero esta reunión virtual me hizo reflexionar. Junto con directores como su amigo de la costa este, Martin Scorsese, y su compatriota Paul Schrader (cuyo último, “Oh, Canada”, está en la competencia principal), Coppola, Lucas y Spielberg fueron figuras principales de lo que se conoció como el Nuevo Hollywood. Es más complicado de lo que puedo hacer justicia aquí, pero básicamente durante este período artísticamente fecundo, un grupo de cineastas masculinos, en su mayoría jóvenes, prosperó en las ruinas efectivas del antiguo sistema de estudios. Alrededor de 1980, cuenta a menudo la historia, los buenos tiempos habían terminado; VHS pronto cambiaría permanentemente la forma en que la gente ve películas, al igual que lo ha hecho el streaming.
Los cambios en el público hacen que los estudios americanos hoy en día asuman pocos riesgos y prefieran apostar por lo seguro y lo familiar, por lo que lanzan sobre todo éxitos de taquilla o películas baratas de género. En Hollywood, como lo expresó Ben Fritz en “The Big Picture: The Fight for the Future of Movies”, su libro de 2018, “cualquier cosa que no sea una película de franquicia de gran presupuesto o una comedia o película de terror de bajo costo y riesgo ultrabajo es una especie en peligro.» Eso sigue siendo cierto, pero si bien directores como Gerwig, Arnold y Nyoni están trabajando en una industria muy diferente a la de Coppola y su cohorte en su día, como me recuerda Cannes cada año, siempre hay cineastas listos para conquistar el mundo del cine.